En El engaño de la red. El lado oscuro de la libertad en Internet, el periodista e investigador Evgeny Morozov sostiene que las redes sociales no sirven para luchar contra el poder. Al contrario, alega que Internet es un arma de doble filo, usada hábilmente por los regímenes autocráticos. Sin embargo, en esta entrevista con Ñ Digital, muestra un costado más optimista del que presenta en su nuevo libro.

WITTER. Los optimistas tecnológicos alegan que las redes sociales fueron gran causa de la revuelta social en Egipto.

Desde hace tres años más o menos, cada vez que ocurre una demostración popular masiva contra un gobierno X,  los medios de comunicación caen en el facilismo de otorgarle una gran influencia a las redes sociales como mecanismo instigador y organizador de esas protestas. El dato es contrastable en la reciente cadena de manifestaciones que este año culminaron con el fiasco de Libia. Allí se puede ver en crónicas escritas o en reportajes televisivos cómo Twitter y Facebook fueron citados en términos exultantes; como si la protesta popular no hubiera existido en la era pre-2.0.

Sin embargo, asociar las tecnologías de las comunicaciones en red a una nueva chance para los oprimidos del mundo es un argumento infantil e incorrecto, pues no tiene en cuenta que los mismos líderes que son los blancos de estas revueltas hacen un uso de Internet con fines políticos sumamente sofisticado. Los usa —justamente— para controlar, perseguir, encarcelar y reprimir. Puede ser que por un infinitésimo momento el pueblo tome el poder en Twitter. Pero ese momento es efímero. Participar en las redes sociales no es resistir, no es organizar, no es liberarse; es lo opuesto, es entregarse al sistema de una manera orwelliana. La Red es un panóptico digital. Y nosotros no somos los vigilantes, somos los vigilados.

Este, por lo menos, es el argumento de Evgeny Morozov, el investigador y periodista de Bielorrusia —y actualmente académico invitado de la universidad de Stanford— en su reciente libro, The Net Delusion: The Dark Side of Internet Freedom (El engaño de la red. El lado oscuro de la libertad en Internet) aun no traducida al castellano.

El libro de Morozov es un ataque sistemático contra el cyber-utopismo. Comienza su relato en junio del 2009 en Irán, cuando miles de jóvenes iraníes salieron a las calles de Teherán para protestar por lo que consideraban una elección fraudulenta. En ese momento un periodista llamado Andrew Sullivan posteó un artículo en un blog de la revista The Atlantic, titulada “La revolución será twitteada.” Morozov identifica este momento como el principio de la gran mentira, perpetuada hoy en día como un nuevo hecho del panorama político internacional, que Twitter es el nuevo armamento de los potenciales revolucionarios democráticos en regímenes autocráticos.

El libro de Morozov es meticuloso, impecablemente documentado. Aun para los que están en desacuerdo con su tesis tendría que ser una lectura obligatoria. Como dice Morozov, “si los periodistas no se comprometen a cuestionar escrupulosamente este nuevo mito (y, si es necesario, de contradecirlo) caerán en el riesgo de tener un efecto corrosivo en la construcción de nuevas políticas”.

Ha puesto el grito en el cielo Mozorov. Sería productivo oírlo y, como pide el autor, cuestionar cuidadosamente el papel de Internet en nuestra sociedad, nuestra política y nuestra vida privada.

A continuación, algunas de las preguntas que Morozov contestó por correo electrónico a Ñ Digital.

Dada su opinión sombría del lado orwelliano de Internet, ¿llegaría a recomendar estar completamente off-line como la única forma de tener una vida realmente libre?

Eso sería muy estúpido. Sería como negarse a usar electricidad por preocupaciones sobre el calentamiento global. Internet tiene muchas cosas maravillosas, y también lo tienen las redes sociales. Y no creo que un nuevo movimiento social pueda estar fuera de estas dos cosas si pretende triunfar. El derrotismo no es la estrategia correcta. Sino, hay que identificar los actores principales que hacen que la experiencia on-line sea tan deficiente (en general son gobiernos y empresas) y obligarles cambiar sus políticas.

Lo demás esta en las manos de los individuos. Sea cual sean los cambios que se hagan en Facebook, Google o hasta en el NSA (La agencia nacional de seguridad de los EE.UU.) Internet siempre será demasiado “pública” para algunas personas. Esto no me preocupa. Pero si tendríamos que asegurarnos de que los que quieren movilizar personas o promover sus causas no estén a la merced de Silicon Valley o las agencias de inteligencia de Washington.

¿Cómo interpreta el fenómeno de presidentes y políticos con cuentas de Twitter? ¿Es una obligación que les imponen sus consejeros? ¿O ya es una herramienta indispensable para el discurso político?

La política funciona de tal manera que los actores principales suelen llenar todos los espacios disponibles en los medios (¡En este sentido se parecen al gas!). Es como ese viejo chiste de un ladrón a quién le preguntan: ¿Por qué robaste el banco? Que contesta: Por que allí estaba el dinero. De la misma forma los políticos están en Twitter por la simple razón de que allí esta la gente. Y si no se comprometen con estos medios los mismos serán explotados por sus contrincantes. Mucho se mueve según cuán “cool” es la plataforma en dado momento. Ayer era MySpace. Mañana tal vez sea FourSquare. En la mayoría de los casos, simplemente es un truco de la las relaciones públicas. Lo brillante de actuar sobre reclamos hechos por Twitter es que sus respuestas, supuestamente personales, terminan siendo documentadas — y en algunos casos son virales. En este sentido Twitter es una herramienta ideal para manejar las relaciones públicas.

Dada su visión del fenómeno, ¿ha recibido críticas por usar Twitter? ¿Cómo le ayuda en tus trabajos periodísticos y de investigación académica?

En realidad, no. Todo lo contrario: la mayoría de las personas aprecian que conozca las plataformas sobre las cuales escribo. Para mí, es un camino de doble vía: Sigo a mil personas y me entero de muchas noticias que me hubiera perdido de otra forma. Y por otro lado, hay miles de personas que me siguen, muchos de ellos en los medios. Twitter juega un papel instrumental en mi trabajo: muchas veces posteo mis notas en inglés y después me contactan editores de diarios europeos que me siguen en Twitter, pidiéndome las notas para sus diarios. Entonces, me ayuda.

Pero también tendría que contar que recibo la mayoría de mi información por mi Kindle: me subscribo a seis diarios y decenas de revistas. Termino pasando dos horas diarias leyendo todo este material. Pero el lado positivo es que no paso tanto tiempo delante de mi computadora.

Haciendo de abogado del diablo: ¿Cuál es su escenario más optimista para la evolución de la Web? ¿De qué manera aumenta la inteligencia humana, tanto la individual como la grupal?

Eso es fácil. Antes que nada, nunca alegue que la Web no fuese útil; como una fuente de información o de conocimientos es una herramienta maravillosa. Los tipos de riquezas culturales que han asistido en abrir hacen volar la mente. Yo mismo las aprovecho de una forma cotidiana. Y espero que todos los libros del mundo se digitalicen y sean accesibles a todos en términos justos (ahora que Google o las Naciones Unidas sea la entidad que haga esto, es algo que está por verse). Entonces, en términos de liberación personal hay mucho que Internet puede ofrecer para ellos que realmente quieran ser liberados. Para las personas que ya llevan vidas empobrecidas consumiendo telenovelas, jugando sudoku o leyendo tabloides en el mundo offline, Internet también es una bonanza — pero para que se pierdan aun más en el mundo de entretenimientos.

Por lo tanto, para comprender plenamente el impacto político y social de Internet primero tenemos que entender como se acomoda a las relaciones sociales y políticas pre-existentes. No podemos tratarlo como un fenómeno con su propia lógica y diseño independiente de estas cosas.

Algunas personas, como Kevin Kelly, creen que Internet puede llegar a tener la autonomía de un ente independiente. ¿Qué valor le da a tales escenarios?

No mucho. Esta idea es muy vieja. H.G. Wells ya estaba hablando de un cerebro global en los años 30 del siglo pasado. Que la tecnología puede lograr autonomía es un fenómeno que ha explorado profundamente Jacques Ellul en su libro La sociedad tecnológica que fue publicado en los 50. Hay muy poco de original en las teorías como las de Kelly – y no suelen ser muy profundas, intelectualmente hablando (Hace poco escribí una reseña del ultimo libro de Kelly en The New Republic).

Usualmente estos argumentos benefician las empresas de Silicon Valley que suelen presentar todo lo que hacen como una especie de favor a la humanidad. Estas empresas necesitan a promotores como Kelly quienes los ayudan a enfatizar los beneficios de la innovación mientras minimizan, a su vez, los riesgos que la tecnología presenta a las existentes relaciones sociales y políticas; incluyendo valores como la igualdad y pluralismo. Que tales modelos frecuentemente se basen en sistemas biológicos es preocupante: los artefactos tecnológicos, a diferencia de los naturales, son hechos por el hombre y por consecuencia suelen tener políticas profundas detrás de ellos. No es el caso con la mayoría de los artefactos naturales (salvando, por supuesto, que creas en el diseño inteligente).

¿Twitter es una moda pasajera o todavía tiene mucha vida por delante?

Estoy bastante convencido que dentro de 50 años no existirá Facebook, Google o Twitter. Las empresas que sobreviven mucho tiempo son excepciones. Y dado el estado de la industria de Internet hoy (creo que aun estamos en una etapa inicial donde hay muchísima experimentación) es de esperar que los líderes no sobrevivirán mucho tiempo. Hace cinco años todo el mundo pensaba que no había nada mejor que el sistema de Google PageRank para hacer búsquedas. Hoy, sin embargo, hasta Google se ha dado cuenta que hay que agregarle una capa social a la búsqueda (por ejemplo, que puedas ver qué información están buscando y encontrando tus amigos). Después ¿algo reemplazará la “búsqueda social”? Estoy seguro de que sí. Pero aun no sabemos qué.

Finalmente: ¿Cuales son los libros y los pensadores que —para usted— mejor ayudan entender Internet? Tanto como un artefacto tecnológico y como un fenómeno social.

Desafortunadamente, la mayoría de los libros sobre Internet son terribles. Personalmente yo me inspiro en libros sobre la filosofía de la tecnología, muchos escritos antes de que existiera Internet. De alguna forma logran informar mejor sobre la dirección de la sociedad tecnológica que cualquier cosa escrita en los 90. Mucho de este trabajo es muy modesto en su tono. La filosofía de la tecnología no es un campo muy amplio. Mencionaría a Langdon Winner, Don Ihde, Andrew Feenberg y Albert Borgmann como influencias. Pero ninguno es muy conocido fuera de su especialidad. Tristemente, aun estamos años luz de una “filosofía del Internet.” Esto es algo que me gustaría ver desarrollado. Entretanto tendremos que leer libros periodísticos. Entre ellos me gustaron mucho Plex de Stephen Levy, un nuevo libro sobre la historia de Google. The Information de James Gleick también era bastante bueno.

La primera vez que Michael Landon puso un pie en el auténtico pueblo de Walnut Grove (Minnesota) donde habían vivido los verdaderos Ingalls, un habitante se le tiró encima con todas las intenciones de trompearlo hasta el cansancio y, de ser posible, despeinarlo. Algunos precipitados los separaron antes de la tercera o cuarta trompada. Pero el resto del pueblo aplaudía. Meses antes de esa contundente bienvenida, en 1974, y armándolo de un presupuesto más que considerable después de haber sido el hombre detrás del éxito de Bonanza, la NBC le encargó a Michael Landon que produjera una película basada en los ocho libros infantiles publicados por Laura Ingalls Wilder entre 1932 y 1943. Landon cumplió y la NBC sumó fortunas a sus arcas, pero las hordas de lectores acostumbrados a los finales relativamente felices de los libros quedaron desahuciados con la película: la NBC empezó a inundarse de cartas reclamando cómo podían dejar que el gobierno expulsara a los Ingalls de su tierra sin hacer nada al respecto. Entonces Michael Landon tuvo una idea: quizás harto de la impostada fraternidad testicular que le imponía la bonanza de los Cartwright, deseoso de purgar su misoginia, e imposibilitado de que una hipotética adaptación de Mujercitas le garantizara un sostenido rol protagónico, Landon se dejó crecer el pelo como un estudiante tardío del Berkley de los 60, y montó en las colinas de Ventura (en plena California) el pueblo que funcionaría durante los siguientes diez años como set para grabar la saga apócrifa de la familia Ingalls. Porque si la película poco había tenido que ver con los libros cuasi-autobiográficos de Laura, esa muestra condensada funcionaría como profética sinopsis de lo que mantendría frente al televisor a millones de personas durante veinticinco años: Landon iba a contar la misma historia, con el mismo final, pero en doscientos cuatro capítulos semanales. Landon escribió, dirigió, produjo y protagonizó hasta el último de los detalles de La familia Ingalls, situación privilegiada que le permitió conocer, uno por uno y en toda su dimensión, los verdaderos motivos por los que, en pleno Walnut Grove, y en ese preciso momento, una redentora trompada lo acaba de sentar de culo LA VERDAD DE ESTA HISTORIA Leyendo el recién salido Becoming Laura Ingalls Wilder -la biografía en la que John Miller se dedica a seguir la vida de Laura desde la más tonta infancia hasta su consagración como autora de libros infantiles inspirados en las memorias familiares-, no se tarda demasiado en descubrir que nada fue como se vio por televisión. Los Charles y Caroline Ingalls originales -padres de la Laura biografiada- fueron en realidad producto de un matrimonio por conveniencia: la hija más codiciada de una madre obsesionada con su viudez a cambio de que el pretendiente le prometiera que nunca abandonaría a su hija como su marido la había abandonado a ella. El nunca la abandonó (en rigor de verdad, lo hizo recién en 1902, cuando murió a los 66 años), por la sencilla razón que era ella quien hacía el trabajo pesado. Lejos de la inútil tiempo completo que aparecía en televisión, la Caroline auténtica sembraba, araba y cargaba con más de lo que podía un Charles que detestaba el campo pero que nunca conseguía un trabajo decente en el pueblo. Ya a las pocas páginas, cualquiera puede enterarse que ese tipo lleno de resentimientos escapó de la guerra civil norteamericana pagándole a otro para que ocupara su lugar. Y que era, además, un soberano hijo de puta: primero lideró los reclamos de 1865 para que el Estado pagara doscientos dólares a las familias por cada voluntario extra que aportaran por encima del cupo que se le exigía al pueblo; después esperó que el cupo estuviera lleno, enroló a sus dos hermanos y cobró los cuatrocientos dólares. A los verdaderos Ingalls, como ya se puede suponer, no les despertaba ningún remordimiento faltar a misa si, por ejemplo, hacía mucho frío, porque Charles era aquejado por la más grandiosa de las paranoias: estaba convencido de que Dios se había propuesto perseguirlo y arruinarle la vida. Charles inició a su yerno Almanzo en los grados más bajos de la masonería, y con Caroline se jactaban, además, de haber encabezado una de las avanzadas ilegales sobre la reserva india de Osage, “donde no había signos del dominio del hombre”. Si bien el Estado garantizaba por ley 160 acres en otras tierras, la verdadera Laura escribiría en uno de sus diarios: “Pa demostraba una verdadera obsesión maniática por mudarse a tierras indígenas”. En definitiva: un retrato y una saga de familia que hubiese sido, por lo menos, mucho más divertida que las fábulas patrióticas y ectoplasmáticas que todavía hoy alcanzan medio millón de espectadores entre las familias argentinas. Porque qué es La familia Ingalls si no el bodrio fundante de la corrección política aplicada a las series televisivas familiares, la misma que en los 80 se aplicaría a la New York yuppie en Blanco y negro y que Los Simpons vendrían a subvertir con las perradas de Bart y un soberano eructo de Homero. ¿Qué son si no eso? Probablemente, algo mucho peor. LOS PROBLEMAS DE LA FAMILIA Si Tolstoi afirmaba que todas las familias son felices de la misma manera, pero que cada familia es infeliz a su modo, Michael Landon malversó la historia de una familia particularmente infeliz hasta transformarla en una familia feliz, pionera y norteamericana hasta el hartazgo. La pareja Charles-Caroline que formaba con Karen Grassle podría recordarse con ira como una de las entelequias más asexuadas de la televisión mundial. Sus únicas actividades en la cama consistían en comer pochoclo y leer la Biblia. Aburrimientos supinos que, aparentemente y sin embargo, no servían más que para disimular el tórrido romance que mantenían Landon y Grassle fuera de cámara. Si bien algunas versiones insisten en excusar a quien encarnara a El Gran Padre Norteamericano, alegando que buena parte de la serie se grababa en Ventura (California), y el pobre Landon se encontraba alejado de su esposa, las versiones más radicales argumentan que Karen Grassle habría conseguido el papel de Caroline por su estrecha relación con Landon, y de ahí que hablara tan poco, ya que casi su única experiencia previa había consistido en algunas participaciones en obras de teatro escolares más, claro, numerosas interpretaciones de tipo diverso y carácter privado para Landon. Como fuere -antes o durante la serie-, el set montado en la mitad de la nada californiana presentaba un problema: dónde. En qué lugar consumar esas cantidades desaforadas de sexo que aparentemente se producían y que nunca salían al aire. Según juran algunos pocos detractores del pacto de silencio sobre el lado oscuro de la serie que todavía hoy involucra a casi todos sus miembros, existía una construcción algo alejada del pueblo que aparece en pantalla infinidad de veces pero que nunca se utiliza. Disimulada como una casa más del pueblo, en el interior de esa fachada de madera el cubículo escondía el ascético confort de un baño y una cama en la que quemar las energías acumuladas a base de pochoclo; aunque hasta ahora nada se sabe de un hipotético espejo en el techo ni se conservan filmaciones de la época. EL TIEMPO Y EL ESTADO DE LOS CAMINOS En el primer capítulo de La familia Ingalls Melissa Gilbert (encargada de disfrazarse de Laura) corría colina abajo imitando el vuelo de un avión que todavía no había sido inventado, y simulando la plácida vida en 1885. Ese año, la verdadera Laura Ingalls pasó uno de los inviernos más largos y polares de su vida, en un lugar distinto al invierno anterior y al siguiente. En un ejercicio que hubiese perturbado a Landon y que atentaría contra el sedentarismo obstinado y medio pelotudo de los Ingalls (nadie se queda tanto tiempo en un lugar si le va tan mal), con un mapa del oeste norteamericano se podría trazar el verdadero calvario que recorrieron los verdaderos Ingalls durante su vida: más de ocho pueblos que incluyen Missouri, Kansas, Minnesota, Iowa, Wisconsin y Massachusetts, en casi diez años, durmiendo a veces a la intemperie y pasando buena parte del año rodeados de nieve. Landon prefirió dejar a sus Ingalls en Walnut Grove (donde los verdaderos vivieron apenas un par de meses). En el Walnut Grove californiano de Landon la mayoría de los capítulos transcurrían durante una sucesión de veranos y primaveras que sólo se interrumpían dos o tres veces al mes si el tempo dramático del guión exigía un poco de nieve, una cuota extra de dramatismo cuando alguno de los chicos se perdía, la dosis anual de tragedia y posterior buena acción navideña o, directamente, alguien que pasara mucho frío. En Minnesota del Sur, donde está el Walnut Grove original, además de padecer las inclemencias de fríos feroces, no hay ni una montaña: para trepar alguna de esas colinas por las que Laura corre cada de vez que huye ofendida de casa, tendría que correr más de 700 kilómetros y atravesar tres estados.

Importancia   de la  lengua materna  en el desarrollo   de la  región  Lambayeque

E l proyecto de educativo de la región Lambayeque promueve y promociona el uso de la lengua materna como símbolo de la perpetuación de las costumbres y tradiciones de los pueblos de nuestra región .nuestra lengua materna es el testimonio autentico de nuestra singularidad y sello inequívoco de nuestra estirpe mochica.

Nuestra región Lambayeque registra un importante avance en la educación intercultural, teniendo en cuenta que es una región en la que habitan diversas comunidades culturales con su propia lengua materna y formas de expresión.

En ese sentido, destacó la importancia de alfabetizar en su lengua materna a las comunidades que hablan quechua, aimara, muchic

Es importante el uso de la lengua materna porque permite incentiva que los niños que habitan en zonas con una lengua materna distinta del castellano puedan ser alfabetizados en esa lengua originaria, dado que las categorías de pensamiento son distintas de acuerdo a la lengua que uno aprende desde niño.

Debido a la avalancha del mundo globalizado donde el inglés desempeña un rol preponderante las lenguas materna se ven amenazadas de ser extinguidas en el caso de nuestra región las lengua nativa puede desaparecer a si como el quechua y aimara si no se propicia una política seria con respecto a revalorar nuestra lengua nativa .

La lengua materna es importante porque es el medio de comunicación de cientos y miles de seres humanos que practica una lengua de antigua data y son los últimos reductos que nos une a nuestro pasado idiomáticamente hablando ya es la manera como nuestro pasado se perpetua en el tiempo y el espacio de nuestra sociedad lambayecana .

La lengua materna practicada en nuestra región permite que nuestra costumbres y tradiciones perduren en el tiempo una señal de esto es nuestra variada gastronomía que revela una fuerte influencia de nuestro añejo acervo cultura muchic

A nuestra lengua madre le debemos todo lo que sabemos y todo lo que somos. Ya que nuestra personalidad se forma en la interrelación con otros, que sólo es posible a través del lenguaje. Y todo lo que aprendemos, ya sea leyendo o escuchando a otros, también depende de nuestra lengua madre debemos cultivar propiciando su uso domestico tanto en casa como en los medios de comunicación ,el comercio ,la televisión regional debe difundir su programación tanto en español como nuestra lengua materna en el caso de Lambayeque el muchic.

Es muy importante porque es la primera lengua que aprendemos y sin ella no podríamos comunicarnos con las demás personas de forma oral.

. Personal - La lengua materna es necesaria para mantener la identidad

. Social - Cuando no se mantiene la lengua materna hay una pérdida de conexiones y enlaces culturales en el vecindario y en el mundo.

3. Intelectual - Los alumnos necesitan un continuo desarrollo académico. El cambio de solo aprender inglés usualmente resulta en una falla académica.

4. Educativa - Los alumnos que aprenden inglés mientras continúan el desarrollo de la lengua materna, tienen más éxito académico en los años posteriores.

5. Económico - Hay más oportunidades de empleo en Norte América y en el mundo para personas fluentes en inglés y otro idioma.

También, según los investigadores, los programas diseñados para personas en vías de aprender inglés deben consistir de los siguientes elementos:

1. Procesos socioculturales que incluyen factores que ocurren en la comunidad con respecto al pasado, presente y futuro.

2. Procesos lingüísticos que incluyen la adquisición en ambos idiomas de las habilidades de escritura y habla.

3. Procesos académicos que desarrollan habilidades en todos los objetivos académicos a niveles avanzados.

4. Procesos cognitivos que desarrollan habilidades para resolver problemas, desarrollan la creatividad y desafían a los alumnos.

Estos son algunos de los asuntos más urgentes cuando pensamos en el futuro de nuestra juventud. No permitan que una persona que no es bilingüe tome una decisión que es suya. Hay organizaciones como La Asociación de Educación Bilingüe de California y Excelencia y Justicia en la Educación cuyos propósitos son promover una educación de calidad para todo el pueblo.

También se les recomienda tomar tiempo para cuestionar a los maestros que trabajan en su vecindario para que ellos clarifiquen el rumbo que se le está dando a la educación de su hijo/a.

Se estima que actualmente se hablan alrededor de 600 lenguas aborígenes en toda América. Antes de la llegada de los españoles el número de lenguas amerindias era el doble. Es decir, cientos de lenguas han desaparecido y con ellas la cosmovisión de los pueblos que las hablaban. Se calcula además, que en los próximos años alrededor de 300 lenguas van a desaparecer en todo el continente americano.
Tal vez, si en lugar de lenguas dijéramos especies vegetales o animales despertaríamos la preocupación de los grupos ecológicos y las campañas de prevención se sucederían. Pero hablamos de lenguas minoritarias, de comunidades olvidadas, de grupos excluídos y tal vez por eso no merecen la atención de los organismos gubernamentales, de instituciones educativas, ni de los grupos intelectuales. Es por ello que debemos los lambayecanos rescatar nuestra lengua materna de los contrario formaremos parte de las 300 lenguas amerindias que se calculan desaparecerán en los próximos años .

La importancia de la lengua materna no puede ser minusvalorada, toda vez que está íntimamente relacionada con nuestra personalidad y entorno. De hecho, algunas disciplinas lingüísticas ponen de manifiesto el lugar central que tiene, tal como la psico-lingüística que estudia la relación entre lengua y mente, la neuro-lingüística, que estudia la que existe entre lengua y cerebro, la etno-lingüística que trata sobre la conexión entre lengua y etnia, o la socio-lingüística que versa sobre el nexo entre lengua y sociedad. De ahí que toda lengua, desde la más hegemónica hasta la más amenazada de extinción, sea vehículo de expresión e identificación personal mediante la cual el individuo piensa, siente, imagina y verbaliza, estableciéndose así un lazo indisoluble entre personalidad y lenguaje.

Tristemente, ha habido y hay la tendencia a exaltar unas lenguas en detrimento de otras, lo que ha llevado a que las rencillas y guerras propias de la naturaleza humana se hayan hecho extensivas también a este campo.

Una de esas tendencias ha sido la de conceptuar a ciertas lenguas como idiomas y a otras como dialectos, entendiéndose por idioma una lengua de cultura, categoría y rango superior por su número de hablantes, riqueza literaria e histórica, mientras que dialecto sería simplemente una lengua minoritaria, sin prestigio, especialmente si no tiene sistema de escritura, o si carece de corpus literario significativo, hablada por personas pertenecientes a un estrato social de baja categoría.

Sin embargo, no es faltar a la verdad si decimos que todo idioma es un dialecto y todo dialecto es un idioma, independientemente de las anteriores características. En efecto, ¿a quién se le ocurriría hoy decir que el español es un dialecto? Y sin embargo esa es su relación con el latín, hasta el punto de que socarronamente se dice que quienes hablamos español en realidad lo que hablamos es un mal latín.

Por otra parte, mucha gente no tendría ningún problema en asumir que el asturiano es un dialecto, en el sentido peyorativo de la palabra. Pero aunque sea hablado solamente por cien mil personas, circunscritas a la parte septentrional-central de España, el asturiano tiene el mismo derecho a ser conceptuado como idioma, a causa de que no tiene menos estructura, complejidad y creatividad gramatical que el español. Otra cuestión distinta es que dentro de una lengua existan diferencias dialectales, como las que hay en el español, donde es evidente que un andaluz lo habla de una manera peculiar, al igual que lo hace un canario, un madrileño o un murciano, por no hablar de un mexicano, un argentino o un ecuatoriano.

Creo que la Biblia tiene algo relevante que decir acerca de la importancia de la lengua en general y la lengua materna en particular, porque después de todo Dios se nos da a conocer hablando y para ello emplea el lenguaje humano. El Verbo, término que engloba pensamiento, palabra, comunicación y acción, es el nombre que en el evangelio de Juan(1) se le da a la segunda Persona de la Trinidad, de manera que en Jesucristo tenemos la Revelación de Dios que nos habla en términos personales y verbales que podemos comprender, siendo la Sagrada Escritura esa misma Revelación puesta por escrito en una lengua que somos capaces de entender…

La lengua materna es la primera que se aprende; la que se usa para comunicarse, para expresarse, para adquirir conocimiento y reclamar los derechos democráticos. Es por eso que los puertorriqueños deben defender y perpetuar el español.

El llamado lo hicieron varios catedráticos del Departamento de Estudios Hispánicos (ESHI) del Recinto Universitario de Mayagüez (RUM), que celebró la Semana de la Lengua, esta vez dedicada a explorar la relación entre Lengua, poder, derechos lingüísticos y la importancia de construir conocimiento en la lengua materna.

En los últimos años, y como consecuencia de la globalización, se intenta convencernos de la importancia que tiene el aprendizaje de una lengua a la que se considera como universal. Esta idea no se diferencia demasiado de aquella otra que buscaba la creación de una lengua artificial, el esperanto, como medio de comunicación, sin tener en cuenta que “Cada lengua encierra la visión del mundo de sus hablantes: cómo piensan, qué valoran, en qué creen, cómo clasifican el mundo que les rodea.” (Según Dixon citado por Moreno Cabrera 2000: 215). Pero quizás lo más grave de creer en la posibilidad de que una única lengua funcione como medio de comunicación universal, es no saber valorar la riqueza que supone la diversidad lingüística y cultural.
La realidad multilingüe y pluricultural de Argentina nos compromete a trabajar para el rescate y revalorización de las lenguas minoritarias, y la institución escolar es un ámbito privilegiado para la conservación y promoción. de las lenguas y culturas autóctonas. Se trata en consecuencia de trabajar para la formación de ciudadanos libres que construyan su futuro sobre la fortaleza de sus raíces y con un espíritu abierto a la pluralidad del mundo. No debemos permitir que nuestra lengua nativa se pierda debemos difundirla y sobre todo practicarla .

En el desarrollo de la lengua materna (o de uso predominante) --L1--, se debe prestar especial atención a fortalecer las capacidades de comunicación oral, a enriquecer el léxico y el conocimiento de la gramática, al aprendizaje de la lectura y escritura y, finalmente, a lograr niveles de dominio amplio de la lengua. La lengua materna (o de uso predominante) es, en algunos casos, una lengua indígena; en otros, el castellano.

En el caso peruano, su realidad multilingüe, multicultural y diglósica constituye el contexto dentro del cual una numerosa población realiza sus aprendizajes. El papel que juegan las lenguas y la cultura en el proceso educativo reviste una importancia decisiva y, en razón de ello, resulta necesario impulsar un tratamiento adecuado de las lenguas y de la cultura en la educación, bajo la modalidad de la Educación Bilingüe Intercultural (EBI).

En efecto, no todos los niños y niñas del país inician y despliegan su vida en la misma lengua; tampoco todos tienen los mismos referentes y valores culturales. Sin embargo, todos tienen derecho a ser atendidos en sus necesidades, considerando sus peculiaridades. Es responsabilidad del Estado la definición de una política sobre las lenguas y culturas en relación a la educación, a fin de desarrollar plenamente las competencias comunicativas de todos los educandos y de buscar la pertinencia y el significado de los aprendizajes.

Miles de niñas y niños peruanos, de regiones andinas o amazónicas, necesitan desarrollar sus procesos cognitivos y de socialización, sus múltiples competencias y capacidades; y esto sólo es posible en la lengua propia, aquella en la que uno vive, piensa, se emociona y sueña. Al mismo tiempo, estos niños y niñas necesitan la lengua común, el castellano, que amplía el espacio de sus redes y oportunidades. Este es el sentido de la educación bilingüe: conocer e intervenir en el mundo y la sociedad con mayor amplitud de perspectiva y redoblados instrumentos de coordinación y acción.

El uso de la lengua vernácula y del castellano en la educación abre la puerta a intercambios mutuamente enriquecedores. Cada lengua aporta su mundo referencial, su tradición histórica, su comunidad de hablantes. Por ello la educación bilingüe invita al diálogo. Hace que todos los actores educativos (alumnos, docentes, padres de familia, comunidad, etc.) se conviertan en interlocutores. Cada actor, desde su lugar y experiencia particular, interviene en la construcción común de los entendimientos y saberes. La relación docente-alumno deja de ser mera instrucción y se transforma en interacción crítica y creativa en la que todos aportan y aprenden. Uno de los presupuestos de la EBI es el respeto a la diversidad y su utilización como recurso. En otros términos, una educación bilingüe auténtica es también una educación intercultural.

En menos de un siglo han desaparecido 11 grupos étnicos de la Amazonía peruana y otros 18 se encuentran en peligro de extinción, reveló la Congresista quechua María Sumire, durante un Fórum dedicado al Día Internacional de la Lengua Materna, fecha declarada así en 1999 por la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco).

En el Forum "La importancia de la lengua materna en el desarrollo de nuestros pueblos", la parlamentaria recalcó la necesidad de que el Estado dicte normas eficaces para evitar que las lenguas maternas desaparezcan. Con este fin, Sumire, insistió en que se ponga en debate el dictamen del Proyecto de Ley 806 que propone la Preservación y Uso de las Lenguas Originarias del Perú y que fue presentado en diciembre del 2006.

El dictamen busca se reconozca el derecho al idioma, identidad y la cultura de 5.818 comunidades originarias del área andina y las 1.345 comunidades del área amazónica. El evento desarrollado en el local del Congreso, expresó un reconocimiento a la Iglesia Metodista Indígena Sol de Oro de Cusco, primera Iglesia Metodista Indígena del Perú. En el país existirían cinco millones de pobladores indígenas y más de 4 millones y medio de pobladores andinos.

Profesor: Ronald Ramirez Olano

El genial grupo Britanico nacio en una epoca donde se vivia una profunda transformación social,política economica,antropologica que significo el acicate del cambio en tierra del tio sam se habia iniciado afinales de los cuarenta y inicios de los cincuenta se inicio una revolución musical en diversas latitudes de los estados unidos .proyectandose a europa en especial a las islas britanicas . Hacia el mismo 1959, de pronto surgió el llamarse BEATLES. El nombre fue aparentemente traído por John y Stu inspirados en el conjunto que acompañaba a Buddy Holly, the Crickets (los grillos) por lo que pensaron en "beetles" (escarabajos) pero cambiando la segunda "e" por una "a" de manera de introducir la palabra "beat" (ritmo), el tipo de música que hacían. Así nació el nombre de Beatles. Hacia ese entonces, quien se ocupó de alguna manera de representarlos fue Allan Williams, dueño de un club llamado Jacarandá. En ese ambiente solían frecuentarse con otros grupos de Liverpool. Entre ellos se encontraban Cass and the Casanovas. El líder de este grupo, Casy Jones, al preguntar como se llamarían y al recibir el nombre "Beatles" como respuesta, sugirió que lo alargaran a "Long John and the Silver Beatles". STU SUTCLIFFE, EL BEATLE MALOGRADO beatles) Por lo que lo cambiaron, usando por un tiempo el de Silver Beatles. Este es el nombre con el que se presentaron ante Larry Parnes, el entonces productor más famoso de rock and roll inglés, representatnte de las más prominentes figuras como Billy Fury, Tommy Steele y Marty Wilde. El objeto de la prueba era hacer una gira como grupo acompañante de Billy Fury. Los Beatles impresionaron a Parnes y Fury pero el sonido de Stu era desastroso. Ante la exigencia de Parnes de eliminar a Stu, los Beatles se negaron. De todas maneras, consiguieron que Parnes les ofreciera acompañar a Johnny Gentle, un reciente descubrimiento, en una gira por Escocia. De nuevo surgía el problema: necesitaban un baterista y nuevamente, Cass de los Casanova lo proveyó: Tommy Moore, un obrero de una fábrica de botellas. Cuando volvieron de la gira, Tommy los abandonó ya que el trabajo no le daba para vivir. Los Beatles tuvieron que resignarse a trabajar en el Jacaranda los días en que no tocaba la banda estable del local, la Royal Caribbean Steel Band. Cuando Allan Williams inauguró un club de strip-tease, el New Cabaret Artists Club, los Beatles hacían la música de fondo para las chicas que se deshojaban. Pero no era esto lo que pretendían. Y Allan Williams no se daba cuenta del potencial del grupo. La oportunidad llegó cuando de la noche a la mañana, la Caribbean Band no se presentó en el Jacaranda. Los Beatles fueron los que se ocuparon de tapar el agujero. Poco tiempo después, Williams recibió una carta de salutación del grupo fugitivo. Se había ido a Hamburgo a actuar en el club Kaiserkeller. Williams, viendo posibilidades para otros grupos de Liverpool, viaja a Alemania y se entrevista con el dueño del Kaiserkeller, Bruno Koschmider. Previamente, hace que los grupos que frecuentan el Jacaranda graben una cinta. Cuando la hace escuchar a Koschmider se da cuenta que la misma no había salido grabada. De todas maneras, Koschmider queda entusiasmado con los grupos ingleses y pide a Williams que le envíe otra. De vuelta en Liverpool, Larry Parnes pide a Williams un grupo para hacer una gira. Williams ofrece a Derry Wilkie and the Seniors. Los miembros de este grupo abandonan sus trabajos para realizarla, pero sorpresivamente, Parnes anuncia que canceló la gira. Furiosos, Wilkie and the Seniors deciden vengarse, pero Williams los convence de que tiene un amigo en Londres, Tommy Littlewood, dueño del club Two l's que les dará una oportunidad. Williams viaja a Londres con Wilkie and the Seniors y se presentan en el club. Impactado por el sonido del grupo, un manager alemán pide hablar con su representante. El manager alemán era nada más ni nada menos que Bruno Koschmider. Koschmider pide a Williams que le envíe al grupo a Hamburgo ya que la estrella del Kaiserkeller, Tony Sheridan, acaba de pasar al club de la competencia, el Top Ten. Y pide más grupos. Williams piensa en los Beatles. Pero el mayor problema subsiste: falta el baterista. Desde el Jacaranda se escuchaba una batería sonar en la noche. A los gritos consiguen ubicar la ventana de donde proviene el sonido. Así se junta a los Beatles Norman Chapman. Permanece con ellos por tres meses hasta que es alistado para ir a Kenya. Nuevamente sin baterista. LLEVAME AL CASBAH Otro de los clubes que los Beatles solían frecuentar era el Casbah. En él, se habían presentado los Quarrymen anteriormente junto con un guitarrista de nombre Ken Brown. El local pertenecía a Johnny Best, un ex boxeador y su esposa, una hindú. El mayor de sus hijos, Peter, nacido en 1941, junto con Ken Brown y otros dos amigos habían formado el grupo The Blackjacks con Pete en batería. Luego de la gira por Escocia, los Beatles actuaron ocasionalmente en el Casbah y ante la propuesta de viajar a Hamburgo, Paul pensó en Pete ofreciéndole el puesto de baterista. Luego de convencer a sus padres, Pete accedió y los Beatles, compuestos por John, Paul, George, Stu y Pete Best iniciaron su viaje. Lo hicieron pasando por Holanda con visas de estudiantes. Al llegar a Hamburgo les fue ofrecido actuar en el Indra Club, un ex club de strip-tease, propiedad de Koschmider, ubicado en los barrios bajos de Hamburgo. La residencia de los Beatles fue la parte trasera de la pantalla de un cine, prácticamente un tugurio. El público del Indra, acostumbrado al strip no se acostumbraba al rock and roll, por lo que al cerrar el Indra pasaron al Kaiserkeller compartiendo el cartel con Derry Wiikie and the Seniors. El público de dichos locales, acostumbrado a la perversión de los bajos fondos, las peleas callejeras, el contrabando, etc., exigía que los Beatles hicieran show. El grupo se veía obligado a trabajar desde las 20 hasta las 2 de la madrugada en los días de semana y hasta las 3 de la mañana en los sábados. En una escena donde previamente el juke-box proveía la mayor diversión, los Beatles con su personalidad pronto comenzaron a destacarse. Los alemanes se quedaban fascinados ante el desenvolvimiento de esos muchachos vestidos en ropa de cuero y zapatillas y peinados con jopos engominados. La blasfemia, los estimulantes y el alcohol eran cosa de todos los días, por eso pedían más. Y los Beatles no se quedaban atrás. Un agente artístico alemán cierta vez describió alguna de sus acrobacias: John Lennon apareció una noche en traje de baño. Otra vez, un asiento de inodoro desapareció misteriosamente del baño del club. Como era de esperar, John apareció en escena con el asiento puesto en el cuello como una herradura. Y los muchachos no paraban allí. Provocaban a la clientela local burlándose de Hitler y haciendo el paso de ganso. Afortunadamente, muchas veces el ruido de copas y griterío era tal que la clientela no escuchaba todo lo que decían. Así permanecieron sanos y salvos» HAMBURGUÉS AL PLATO Cuando Wilkie and the Seniors se enemistaron con Koschmider, el grupo llamado a reemplazarlo fue Rory Storm and the Hurricanes. El baterista de dicho grupo era un muchacho llamado Richard Starkey. Otro de los miembros del grupo de Rory Storm, se llamaba Wally. Los muchachos de ambos grupos se reunían para tocar en los ratos libres y teniendo Wally buena voz decidieron hacer una sesión y grabar un disco. En un pequeño estudio que hacía grabaciones tipo souvenirs, el Akustik Studio, se juntaron John, Paul, George, Ringo y Wally y grabaron un disco 78 r.p.m. con los temas "Summertime" y "Fever". Sin Wally pensaban grabar un tema o dos más, pero el tiempo de actuar en el club se acercaba y Williams se negó. Así quedó frustrada la primera grabación de los que luego serían los Beatles. La amistad con los Hurricanes fue convirtiéndose en una coalición contra las deplorables condiciones a los que Koschmider tenía sometidos a los muchachos. Entre las competencias que se organizaban entre ambos grupos, los Hurricanes ganaron una apuesta que consistía en hundir a los saltos el desvencijado tablado del Kaiserkeller. Las travesuras de los Beatles sacaban de quicio a Koschmider quien en una cláusula del contrato especificaba, además, que los grupos no podían actuar ni simultáneamente ni treinta semanas después de finalizado el mismo en ningún otro club de la ciudad. Pese a todo, los Beatles se escapaban al Top Ten donde actuaba su ídolo, Tony Sheridan, la ex figura principal del Kaiserkeller. Esto exaltó al dueño del club. Pero colmó la medida cuando los muchachos cierta vez casi producen un incendio en el cine donde residían. Intervino la fuerza pública, George fue deportado por ser menor de edad; Paul y Pete encarcelados y luego deportados; John perdió su permiso de trabajo y al igual» que Stu tuvieron que volver. PILETA DE HÍGADO: OTRA VEZ LIVERPOOL En tanto ocurría todo esto. Alan Williams había inaugurado un club en la calle Sonó de Liverpool también llamado Top Ten. Estaba previsto que los Beatles actuarían allí, pero hacia la Navidad, y luego de una semana de inaugurado, el club se incendió. Desmoralizados, al volver por separado sin saber qué había sido del otro y avergonzados, debían enfrentarse ante la nueva realidad. Habían vuelto de Hamburgo a comienzos de diciembre de 1960 y hacia las navidades se habían reencontrado para actuar en el Casbah, el Grosvernor Ballroom y el 27 de diciembre se presentaron en el Litherland Town Hall. Allí fueron anunciados como "The Beatles, directamente desde Hamburgo". Bob Wooler, disc-jockey del Litherland y de un club adueñado por Ray Me Fall y situado en Matthew Street, llamado "The Cavern" quedó impresionado por la respuesta del público. Wooler sugirió a Me Fall cambiar la línea jazzística del Cavern, hacia el rock. Y el cambio dio resultado. En tanto. Allan Williams consiguió que la policía germana levantara las restricciones sobre el grupo y les consiguió un contrato en el Top Ten Club de Hamburgo, también en la calle Reeperbahn del distrito rojo, compartiendo el cartel con Gerry and the Pacemakers. En tanto esperaban poner sus papeles en regla para volver a Hamburgo, Wooler les consiguió en enero de 1961 un contrato para trabajar en el Cavern. Por su primera sesión cobraron 5 libras, para la última, en febrero de 1962, cobrarían 300. En abril de 1961 se realizó el segundo viaje a Hamburgo. George, el menor del grupo, ya había cumplido los 18 años. Los permisos de trabajo en el Top Ten de Peter Eckhorn fueron arreglados por amigos que se habían hecho en Hamburgo. Entre ellos figuraban Astrid Kirchherr, una fotógrafa que se enamoró de Stu, y Klaus Voorman, un diseñador gráfico. La admiración de estos dos intelectuales por el conjunto hizo que las audiencias fueran ampliándose desde los marineros y los rockers a los estudiantes y los bohemios. Fue en esta época cuando Astrid sugirió a Stu que se peinara como Klaus y otro amigo, Jurgen. Le cepilló e! pelo hacia abajo y lo recortó. Así se presentó Stu al Top Ten ante las carcajadas de sus compañeros. No las aguantó y volvió al jopo. Hasta el día siguiente, en que predominó la opinión de Astrid. Al tercer día George apareció peinado igual. Y luego Paul, aunque se cambió el peinado porque John aún no se decidía. Pete Best nunca lo adoptó. Tiempo más tarde, George se atribuyó la creación del peinado diciendo que no se peinó el pelo luego de salir de una pileta en Hamburgo. El peinado beatle había nacido, de todos modos. En esté viaje a Hamburgo, hicieron un LP de grupo acompañante de Tony Sheridan como "The Beat Boys". La grabación se hizo en el sello Polydor bajo la producción de Bert Kaempfert. En ellas Stu no tocó. Las agresiones del resto hacia él por su falta de talento musical (Stu tocaba de espaldas al público porque no sabía tocar y muchas veces el bajo estaba desenchufado sin que él se diera cuenta, travesuras de John y Paul) y su cansancio físico al tocar con el grupo durante la noche y el concurrir a los cursos de arte durante el día, hicieron que abandonara el grupo. Decidió quedarse en Hamburgo y casarse con Astrid, con la que vivía en un cuarto pintado de negro. BRIAN EMBRIAGADO Brian como manager percibiría el 25% de las ganancias y para ocupar se del grupo creó la empresa NEMS Enterprises. La primera oferta que aceptó fue la del Star Club de Hamburgo de Manfred Weissieder; por ella percibirían 400 marcos por semana y unas 40 libras para cada uno. Brian estableció que a partir de ese momento no cobraran menos de 15 libras por noche y algunas cosas más. Lo más importante que consiguió Brian Epstein fue pulir la imagen de los Beatles. Les dio instrucciones para que no jugaran o hicieran bromas en escena; que no comieran, bebieran, mascaran chicle o fumaran como acostumbraban a hacerlo; que se comportaran decentemente frente a tos reporteros; que se vistieran atildadamente abandonando la imagen rocker definitivamente. El próximo paso fue tratar de conseguirles un contrato de grabación. Interesó a la Decca, la que a fines de 1961 envió a Mike Smith para escucharlos. Este quedó muy entusiasmado y el 1" de enero de 1962 se dirigen a Londres para hacer una prueba en los estudios de dicha compañía en el Albert Embankment. Los ejecutivos de la compañía sin embargo, hicieron retardar la respuesta. Decían que los grupos de guitarra (al estilo de The Shadows que acompañaban a Cliff Richard) estaban pasando de moda. El que Brian Epstein les dijera que serian más grandes que Elvis Presley no los convenció. Dick Rowe, el manager artístico de Decca dijo: "Sr. Epstein, realmente, debería concretarse a vender discos en Liverpool". A partir de poco tiempo después, Rowe no fue consejero de ninguna discográfica. No sólo la Decca los rechazó. Pye. Philips, Columbia, HMV y EMI siguieron el camino. Sin embargo, en la encuesta de popularidad que el Mersey Beat organizó en diciembre de 1961 los Beatles ganaron. Para un recital del 24 de marzo de 1962 Brian tuvo que recurrir al siguiente título: "¡Ganadores de la encuesta del Mersey Beat. Artistas del sello Polydor. Previo a su gira europea!". Por supuesto que el sello Polydor era el alemán donde grabaron acompañando a Tony Sheridan, y su gira europea no era más que su tercer viaje a Hamburgo. LOS SUCESOS SE PRECIPITAN Luego de esta pomposa presentación en el Instituto Femenino de Barnston, el grupo viajó por primera vez en avión a Hamburgo. El 10 de abril de 1962, a los 21 años de edad, fallece en dicha ciudad Stu Sutcliffe por una hemorragia cerebral. El bello joven que naciera el 23 de junio de 1940 había pasado los últimos meses presa de terribles migrañas que Allan Williams origina en una vieja pelea callejera en que le habían pateado la cabeza. En tanto tos muchachos trataban de consolar a Astrid en su luto, Brian seguía sus tratativas en Inglaterra. Hacia mayo de 1962, decidido a pasar las cintas a un disco, Brian conversa con un amigo de la disquería HMV y éste lo conecta con Syd Coleman, un editor musical que se entusiasma y las lleva a Gaorge Martín del sello Parlophone, subsidiario de EMI. Martín ve posibilidades y les promete una prueba. Brian les comunica la noticia por telegrama. Los Beatles vuelven a Inglaterra en junio de 1962 y el 6 de ese mes hacen la prueba para Martín. En tanto, seguían actuando en Liverpool y hacían una audición para la BBC de Manchester. En julio, Martín les ofrece un contrato para Parlophone records. Pero aparentemente había un problema: el baterista. El 16 de agosto Pete Best es citado por Brian Epstein para comunicarle que estaba despedido del grupo. La excusa fue que a George Martín no le gustaba el sonido de su batería. Años más tarde Paul, John y George dijeron que no lo sentían como parte del grupo y que habían hecho recaer la responsabilidad sobre Brian. Pocos meses antes, a fines de 1961, Ringo Starr había abandonado a Rory Storm and The Hurricanes y se había dirigido al consulado americano averiguando las condiciones de trabajo en Texas. Decidido a convertirse en cow-boy, estaba esperando una respuesta a su solicitud. Un suceso importante se antepuso: ser el baterista de los Beatles. RICARDO Richard Starkey nació el 7 de julio de 1940 en el N° 9 de Madryn Street, hijo de Richard Starkey y Elsie Gleave, casados en 1936. De familia humilde, cuando Ritchie tenía tres años, sus padres se divorciaron. A los 6 años, una apendicitis se le complicó en peritonitis y lo mantuvo en el hospital por 6 meses aproximadamente. Cuando la enfermera le anunció que podría levantarse Ringo entendió que podía hacerlo inmediatamente y se cayó de la cama rompiéndose la pelvis, permaneciendo tres años en el hospital. Este desgraciado hecho perturbó notablemente sus estudios, los que quedaron a cargo de una amiga de él, Marie Maguire, quien le daba clases en su casa. A los 13 años de Richard, su madre volvió a casarse con Harry Graves y poco tiempo después, el niño volvió a enfermarse de pleuresía, complicándose un pulmón y manteniéndolo en el hospital por dos años. Esto truncó también su educación secundaria. En el hospital, junto con otros chicos internados, Richard comenzó a tocar el tambor y de allí evolucionó su gusto a la batería. Su primera batería, de segunda mano, le fue comprada por su padrastro por 10 libras. Para su primera batería nueva el abuelo le prestó las 50 libras de depósito sobre el costo total de 100 libras. Descontando una libra por semana de su salario, Richard cubrió la deuda. Comenzó a tocar en un conjunto de skiffle de Eddie Clayton. Luego trabajó con Rory Storm and the Hurricanes, en ese entonces el grupo más popular de Liverpool. Allí se lo llamaba Rings (anillos) debido a la cantidad de sortijas que usaba en sus manos a partir que su madre le regalara la primera a los 16 años para su cumpleaños. De allí el nombre derivó a Ringo y se abrevió el apellido a "Star" para anunciar su solo de batería como "star time" (tiempo de estrellas). Así nació Ringo Starr. El éxito de los Hurricanes los hizo hacer giras por Francia y Hamburgo, donde conoció a los Beatles. Cuando en Liverpool los Beatles le ofrecieron el puesto de baterista, las 25 libras semanales le hicieron olvidar el viaje a Texas y quedó como parte del grupo. Ahora, junto con ellos, se puso a esperar la grabación ofrecida por George Martín en Parlophone.

Algunos dicen que todo hombre es filósofo por naturaleza. Y, ciertamente, todos tenemos nuestras propias opiniones sobre los grandes temas filosóficos: como el tema de Dios, el origen del universo, el destino humano, etc. Sin embargo, no toda persona es filósofo profesional: porque no sabe, seguramente, justificar acabadamente esas opiniones suyas, ni contrastarlas cabalmente con otras parecidas o distintas. Sucede, sí, que todo hombre tiene que ver con la verdad, tanto en su dimensión teórica, presente en la educación, la literatura, los medios de comunicación, etc.; como en su dimensión práctica: a la hora de escoger, de decidir, de proyectar la propia vida, y demás. Pero esto ocurre de la misma manera que todo hombre tiene que ver con la bondad, o con la belleza, por ejemplo; y no por eso decimos que todo hombre sea justo o artista por naturaleza. Los artistas son quienes se dedican profesionalmente a cultivar esa dimensión de la persona que tiene que ver con la belleza: digamos, la sensibilidad estética, o la capacidad creativa. Parejamente los filósofos nos dedicamos profesionalmente a cultivar esa dimensión personal que nos pone en contacto con la verdad: sea la inteligencia o, más en general, el conocimiento.

Por otro lado, el ejercicio profesional de la filosofía es, hoy en día, muy restringido, casi privado; acontece, básicamente, en las universidades. Además, y en esta línea de consideraciones, suele decirse que el filósofo es persona solitaria, encerrada en sus propios pensamientos. Pero, igual que ocurre con los artistas, cabe sospechar que no obstante tiene su influjo en la sociedad: quizás marcando pautas de opinión, en la medida de sus posibilidades; o descubriendo en la sensibilidad del hombre contemporáneo sus intereses teóricos, sus dudas y problemas, para las que intenta arbitrar soluciones o anticipar consecuencias. El filósofo vive en el mundo, y en contacto con sus semejantes; e intenta elevar a concepto, pensar y entender, cuanto a su alrededor ocurre; y desarrolla la filosofía, o la extiende, o la formula en nuevas versiones que sintonizan con el entorno y la situación en los que vive.

La filosofía en la segunda mitad del siglo XX

Y como estamos empezando un nuevo siglo, parece ser la ocasión oportuna para hacer un balance del pasado, y ver en qué situación nos encontramos: a qué punto ha llegado, y en qué momento está la filosofía. Podríamos señalar las siguientes notas:

- en el siglo veinte ha habido un alto desarrollo de esa parte de la filosofía que es la lógica. Desde el neopositivismo lógico del círculo de Viena, hasta la filosofía analítica predominante en el contexto anglosajón (el Reino Unido y USA), la lógica del siglo pasado se ha desarrollado y especializado muchísimo, incluso hasta alcanzar una cierta autonomía respecto de la propia filosofía. También hay que tener en cuenta que en ese siglo se ha desarrollado mucho la informática y la alta tecnología, y eso ha obligado a idear sistemas de procesamiento de información con unas estructuras lógicas muy complejas.

- en segundo lugar, en el siglo veinte se ha desarrollado también mucho la filosofía práctica. La escuela de Frankfurt en Alemania, la teoría de la acción en el ámbito sajón, todo el pensamiento marxista que pervivió hasta la caída del muro de Berlín, y demás, han desarrollado mucho la reflexión sobre los temas morales, sociales y políticos. La declaración de los derechos humanos, la extensión y reconocimiento de la democracia como forma de gobierno de los pueblos, y nuevos fenómenos sociales como la potenciación del papel público de las mujeres, las migraciones contemporáneas, etc. han proporcionado a su vez cierta solidez y nuevos problemas a la temática de la filosofía política, que se está constituyendo también en un cuerpo un tanto autónomo de la filosofía teorética.

- en tercer lugar, el racionalismo e idealismo que caracterizó la filosofía moderna, en los que el pensamiento se dedicó a pensarse a sí mismo, han tenido unas secuelas de cierta importancia en el siglo veinte, principalmente la fenomenología y la hermenéutica. Los pensadores más reconocidos en este campo son Husserl y Heidegger. Seguramente el primero es el autor más leído e influyente del siglo; y el segundo es posiblemente el metafísico más reconocido de la filosofía contemporánea. Pero sus planteamientos, especialmente en la segunda mitad de siglo, nos han parecido insuficientes, o necesitados de alguna puntualización.

- porque, finalmente, el siglo veinte en su conjunto ha sido para la filosofía un período inestable, de crisis, de búsqueda de nuevas formas de pensar, como el existencialismo o el estructuralismo, y, en particular en la segunda mitad de siglo, de crítica de la racionalidad moderna, a la que se juzga demasiado teoretizante o idealista: apartada de la vida real y concreta de los hombres, tan aceleradamente cambiante en ese siglo. La apelación a Nietzsche ha sido frecuente en este contexto. Y en esta línea han aparecido movimientos que han terminado por ser irracionalistas, como la postfenomenología francesa, la filosofía de la diferencia, el pensamiento débil italiano, etc. Paralelamente, el ateísmo y el relativismo cultural imperantes ofrecen cierta base social a estos movimientos de crisis de la razón.

Precisamente en este ámbito voy a hablar aquí de dos pensadores muy heterogéneos entre sí, pero que comparten la denuncia de ese abuso del pensar teoretizante ejercido en la filosofía moderna. Y voy a aludir a ellos porque se distinguen del resto de los críticos de la razón que han aparecido en la segunda mitad del siglo veinte, en su carácter positivo: porque ofrecen una alternativa esperanzadora para la filosofía, en lugar de hablar de su ocaso, de la muerte de los grandes relatos, o del fin de la teoría y hasta de la historia.

Leonardo Polo

Leonardo Polo es un filósofo madrileño (1926-) que ha desarrollado su actividad docente principalmente en la universidad de Navarra y en numerosos periplos por distintas universidades iberoamericanas. En 1964 presentó a la comunidad filosófica nacional (El acceso al ser) su filosofema central: el límite mental. La mente humana tiene una limitación constitutiva que el ejercicio del pensamiento no hace sino consagrar. En cambio, si se detecta adecuadamente, cabe una metodología filosófica consistente en abandonar el límite mental. Dicho abandono es hacedero de cuatro maneras, que abocan a una mejor comprensión de la temática filosófica radical, a saber: la esencia y el ser del universo, y la esencia y el ser de las personas humanas.

A partir de esa intuición primeriza, Polo ha consagrado su larga carrera de investigación filosófica a precisar el alcance de su nueva metodología y al desarrollo de la filosofía que se logra más allá del límite mental. Su trabajo ha supuesto, en resumen, los siguientes logros:

- una reivindicación del saber humano en su forma habitual. No es la teoría, ni la ciencia, el modelo máximo de la sabiduría humana, sino la experiencia. Y así, tal y como sucede con los saberes prácticos, que son artesanales, algo así ocurre también con los saberes teóricos: que son susceptibles de una experiencia intelectual, de acuerdo con la cual alcanzamos a saber más y mejor que con el objetivismo de la teoría científica y su metodología exclusivamente analítica.

- una reposición de la metafísica, estrictamente como saber de principios, de los primeros principios, y de causas. Cuya defensa no entra en colisión con la libertad y autonomía del hombre, porque, según Polo, la metafísica y la antropología son saberes distintos y heterogéneos, aunque compatibles; y lo son porque el mundo y el hombre son a su vez seres distintos, realidades con distinto modo de existir, aunque coexistan.

- Y, sobre todo, una nueva formulación, trascendental, de la antropología, que considera a la libertad como un radical de la existencia humana, abierta al conocer y al amar. Con ella, en mi opinión, se da cauce adecuado a la pretensión moderna de independencia y autonomía, a la elevación del ser personal, pero sin apartar al hombre de la realidad: del mundo en el que habita, de los demás con quienes convive, y de Dios con quien principalmente coexiste.

Emmanuel Levinas

Por su parte Levinas (1906-1995) es un pensador ruso-francés y judío, que padeció los rigores de la revolución soviética y de las guerras mundiales, pasando cinco años de cautiverio en los campos de concentración de la Alemania nazi. Y en su filosofía denunció también algo olvidado por el exceso teoretizante de la tradición filosófica occidental, centrada en sí misma: el otro, los otros y lo otro. El subjetivismo moderno, y el de la filosofía toda, es, para Levinas, algo egocéntrico. Por eso pretendió contestar al pensamiento contemporáneo, de Husserl y Heidegger principalmente, con una antropología que considerara al hombre como constituído desde fuera: por los demás, y para ellos; no autónomo e independiente, sino abierto pasivamente al influjo externo: de los demás, y de todo lo otro que no es el yo. Es su propuesta de Totalidad e infinito (1961), su primera gran obra filosófica. Así alcanzamos una visión del hombre un tanto distinta a la del subjetivismo moderno: como ser mortal, sexuado y genealógico.

Pero, no satisfecho con esta antropología, Levinas dedicó su segunda gran obra filosófica, De otro modo que ser o más allá de la esencia (1974), a sostener el primado de la ética en la filosofía. Una ética de la responsabilidad y el testimonio, basada en el bien de que el hombre es capaz más que en su modo de ser; y que aspira a dar gloria a Dios, un Dios inasible por el hombre y trascendente. El inmanentismo de la teoría debe dejar paso al predominio de la práctica, y a la entrega generosa a los demás. Los filósofos oficiales, Heidegger en concreto, se habían olvidado de Levinas cuando cayó prisionero, y de todos los judíos; pero deben recordar que los demás son más importantes que los propios pensamientos y teorías.
La filosofía de Levinas es un poco extremosa, pues reclama el completo olvido de sí y la generosidad enteramente altruista. Así es la ética anterior y más allá del primado de la razón. La antropología trascendental poliana, también alcanzada más allá del límite del pensamiento, es quizás más ajustada a la índole del espíritu humano, un espíritu capaz de tener y no sólo de dar. Pero ambas son propuestas para el hombre del siglo veintiuno, al que le urge comprenderse, y está quizás ya cansado de un pensar demasiado enredado en sí mismo o limitado a cuestionar el alcance de sus logros.

En los inicios de la Conquista del Perú, los españoles fundaron diversas ciudades. Muchas de ellas estaban asentadas sobre antiguas ocupaciones urbanas incas.
En 1534, encontrándose Hernando Pizarro, como adelantado, en el Santuario de Pachacamac, envió una expedición para buscar un emplazamiento estratégico en donde se fundaría la ciudad que, más tarde, se convertiría en la capital del Virreinato.
Los expedicionarios llegaron al valle de Lima y hallaron una cultura establecida, cuyo centro administrativo estaba edificado en torno de una plaza principal. Tanto la cercanía al mar y la fertilidad del valle, como un cerro alto y la infraestructura de dicho emplazamiento permitieron considerar a Francisco Pizarro la conveniencia de fundar allí la Ciudad de los Reyes, denominada protocolarmente "La muy noble, muy digna y muy leal Ciudad de los Reyes del Perú".
La ceremonia de fundación se realizó en el lugar que en la actualidad ocupa la Plaza Mayor, el 18 de enero de 1535. De inmediato se procedió a repartir los terrenos entre los conquistadores presentes y entre los antiguos vecinos de Jauja y San Gallán, de acuerdo al plano trazado por Diego de Agüero, quien dividió el espacio en 117 manzanas. Cada una de éstas comprendía cuatro solares o terrenos.
La casa del Gobernador Francisco Pizarro fue construida de una manera sencilla, con un patio al centro, y un jardín en el que sembró una higuera que existe hasta nuestros días.
Al iniciarse la vida republicana, la antigua Casa de los Virreyes se convirtió en la Casa de Gobierno de la República del Perú, en cuyas instalaciones funcionaron también varios ministerios.
En 1926, el Presidente Augusto B. Leguía encargó al arquitecto francés Jean Claude Antoine Sahut Laurent el diseño del nuevo Palacio de Gobierno. Pero, en 1932 se paralizaron las obras.
Posteriormente, fue el Presidente Oscar R. Benavides quien encargó al arquitecto Ricardo de Jaxa Malachowski que completase la construcción. Los trabajos se iniciaron el 4 de agosto de 1937 con la demolición de la parte antigua. No fue hasta el año siguiente que se dio término a la obra, tras lo cual se inauguró oficialmente el Palacio de Gobierno.
Los Salones Pedro Potenciano Choquehuanca y Eulogio Eléspuru Deustua
El Salón Choquehuanca -al que se ingresa por la calle Palacio- recibe su nombre en homenaje a los soldados que ofrendaron sus vidas defendiendo Palacio en el ataque que éste sufrió el 29 de mayo de 1909, durante el primer gobierno del Presidente Augusto B. Leguía.
En un lado del salón se encuentra un busto dedicado al patriota Choquehuanca, así como un retrato del Virrey Pedro Fernández de Castro, Conde de Lemos, de autor anónimo, que data del siglo XVII.
El diseño del Salón Eléspuru, que corresponde al estilo del Renacimiento español, incluye un hermoso artesonado que permite conocer el trabajo en madera que se tornó típico de la época colonial. La serie de arcos de medio punto, de influencia morisca, realza la belleza del mosaico utilizado en el piso. Trabajado en mármol italiano, este piso muestra un fino diseño donde destaca el color y la calidad del material.
En este ambiente se exhiben dos calesas presidenciales. La primera calesa -de invierno-, que data del siglo XIX, fue encargada a la empresa británica Peters and Sons, que la construyó con madera y hierro. En su interior se observa, en la parte del techo, bordado en hilos plateados y dorados, el Sol de los Incas y, en sus puertas, el Escudo Nacional. En la segunda calesa -de verano-, fabricada por la empresa francesa Kellner, también se ha utilizado madera y hierro.
Ambas calesas fueron utilizadas hasta 1974 en ocasiones especiales, como la ceremonia de presentación de cartas credenciales de los embajadores. Los últimos cocheros que las condujeron fueron los señores Tomás Meza y Alfredo Huallasco.

Denominado así por sus impresionantes dimensiones, el Gran Hall es el primer espacio de Palacio al que se accede por la Puerta de Honor, por donde ingresan las más importantes autoridades.
En sus flancos se aprecian hermosas columnas y relieves trabajados en estucado en yeso, decorados con pinturas y pan de bronce. El diseño del piso de mosaicos de mármol italiano presenta al Sol geométrico en el centro, rodeado por diversas y complejas decoraciones.
El Gran Hall se pueden apreciar, además, en toda su magnificencia, los vitrales que integran el techo del enorme ambiente. El espléndido trabajo, influido por el art nouveau -en boga en la primera mitad del siglo XX- ilumina el espacio interior con una tenue luz.
Finalmente, en el Gran Hall se exhibe una galería de bustos que representan a personalidades de la historia de América Latina -del escultor Miguel Bacca Rossi- y dos esculturas de los Libertadores de América, Bolívar y San Martín, cuyo autor es el artista Luis Agurto.
A través del Gran Hall se accede a la residencia del Presidente de la República, en cuyo interior se hallan otros salones importantes y un patio sevillano en donde se conserva, hasta nuestros días, la higuera que sembró Francisco Pizarro.
En el segundo piso del Gran Hall existe una galería decorada en estucado en yeso blanco. En este piso se encuentra el salón de reuniones del Consejo de Ministros.

EL GRAN COMEDOR
iseñado por el arquitecto Ricardo Jaxa Malachowski, el Gran Comedor constituye uno de los espacios más atractivos de Palacio. Su estilo recuerda a los elegantes salones coloniales de la época del Barroco. Son destacables el tallado de los zócalos, el impresionante artesonado con vigas talladas y sus dos suntuosos balcones -cuyo diseño se basa en el estilo colonial de Lima-, que esconden salas de música para orquestas de cámara con que se amenizaban las reuniones realizadas en el Gran Comedor. El tallado, a cargo del maestro E. Laya, fue ejecutado por la empresa Ciurlizza Maurer.
Lo que más impresiona es la hermosa araña de cristal, ubicada al centro del salón, cuya construcción se encargó -como tres más pequeñas- a Checoslovaquia. La gran araña, que pesa aproximadamente una tonelada y media, se ilumina con 175 focos.
Entre las obras artísticas que adornan el Gran Comedor se debe mencionar seis hermosos lienzos de la época colonial. Los cuatro que están situados en los extremos del salón pertenecen al artista A. Brueghel, del siglo XVII, en tanto que los otros dos que aparecen al lado de la puerta de ingreso son del artista napolitano Jerónimo Cenatiempo, del siglo XVIII.
La capacidad del Gran Comedor permite invitar a 250 comensales y sus hermosas sillas lucen en el dorso un estampado dorado del escudo de Francisco Pizarro.
En este salón se firmó, en 1980, el Tratado de Paz entre Honduras y El Salvador. Asimismo, desde aquí impartió la Paz al Perú, en 1985, el Papa Juan Pablo II. Por este motivo se le conoce también con el nombre de Salón de la Paz. Las placas que conmemoran ambos acontecimientos se encuentran en el vestíbulo que antecede al Gran Comedor.

Anteriormente conocido como Salón Francisco Pizarro, adquirió su nueva denominación, Salón Túpac Amaru, en la década del 70, durante el Gobierno del General EP Juan Velasco Alvarado, debido a la política nacionalista y a la admiración que el referido gobernante profesaba al precursor de la Independencia del Perú.

El Salón Túpac Amaru
Anteriormente conocido como Salón Francisco Pizarro, adquirió su nueva denominación, Salón Túpac Amaru, en la década del 70, durante el Gobierno del General EP Juan Velasco Alvarado, debido a la política nacionalista y a la admiración que el referido gobernante profesaba al precursor de la Independencia del Perú.
En el salón predomina el estilo neocolonial. Mide 35 m. de largo y está dividido en tres cuerpos: una rotonda central de 11 m. de diámetro y dos alas laterales de 12 m. de largo por 8 m. de ancho. En la rotonda se puede apreciar una hermosa cúpula de madera con una farola de vitrales en el vértice. En los ángulos inferiores de la rotonda, cuatro hornacinas se advierten relieves en yeso con motivos incaicos, producidos por la inspiración de Daniel Casafranca.
Este salón fue el primer comedor oficial de Palacio, con una capacidad que albergaba a 172 comensales. Quedó en desuso cuando se construyó el nuevo Gran Comedor en la época del Presidente Benavides.
En la actualidad se utiliza para las conferencias de Prensa del Presidente de la República y de los Ministros de Estado, así como para la celebración de diversos actos oficiales.

EL SALON SEVILLANO

En el salón predomina el estilo neocolonial. Mide 35 m. de largo y está dividido en tres cuerpos: una rotonda central de 11 m. de diámetro y dos alas laterales de 12 m. de largo por 8 m. de ancho. En la rotonda se puede apreciar una hermosa cúpula de madera con una farola de vitrales en el vértice. En los ángulos inferiores de la rotonda, cuatro hornacinas se advierten relieves en yeso con motivos incaicos, producidos por la inspiración de Daniel Casafranca.
Este salón fue el primer comedor oficial de Palacio, con una capacidad que albergaba a 172 comensales. Quedó en desuso cuando se construyó el nuevo Gran Comedor en la época del Presidente Benavides.
En la actualidad se utiliza para las conferencias de Prensa del Presidente de la República y de los Ministros de Estado, así como para la celebración de diversos actos oficiales.

II HISTORIA DE LAMBAYEQUE

Diversas etapas de la ancestral cultura peruana se han desarrollado en Lambayeque, existen hallazgos que datan desde los tiempos de los cazadores nómades hasta culturas tan sofisticadas como los Mochica, los Sicán o los Chimú. Alrededor del siglo I d.C. diversos señores Mochica dominaron la región, logrando un alto nivel de producción agrícola y desarrollo artístico. Hacia el siglo VII d.C. el poder Mochica colapsó para dar paso a otras influencias provenientes del sur vinculadas a la cultura Huari a partir de las cuales, nació una nueva expresión cultural local conocida como Sicán. Contaban los antiguos lambayecanos que mucho tiempo atrás, apareció ante los pescadores una gran flota de balsas extrañas. Los recién llegados venían dirigidos por un señor muy bien ataviado llamado Naylamp, "Gran Ave del Mar". Sorprendido por la laboriosidad y destreza de los habitantes de la zona, Naylamp decidió mandar construir un templo para alojar a la imagen de Ñam Pallec, un ídolo de piedra que era su retrato. Los vecinos de los alrededores no dejaban de sorprenderse por el buen gobierno de este señor, poco a poco, fueron integrándose a sus dominios. Un día, Naylamp desapareció. Según los sacerdotes le habían brotado alas y había emprendido el vuelo. Fueron sus descendientes, entonces, quienes debieron mantener la tradición. Este mito nos cuenta los orígenes de una de las culturas más importantes de la costa norte, la cultura Lambayeque o Sicán, un pueblo de agricultores y navegantes cuyo desarrollo alcanza su apogeo alrededor del siglo VIII d.C. Los Sicán lograron un dominio magistral en el trabajo con metales. Las joyas encontradas en las tumbas muestran que contaron con grupos de orfebres altamente especializados. Hacia inicios del siglo XV, una nueva influencia arribó a Lambayeque, los Chimú, ellos conquistaron el territorio y más tarde los Incas incorporaron estas tierras al Tahuantinsuyo. La presencia hispana en Lambayeque se consolidó con la fundación de la ciudad del mismo nombre en 1553 y la de Zaña en 1563, ésta ciudad que tuvo que ser abandonada como consecuencia del desborde del río Zaña que la destruyó por completo. Lambayeque se convirtió a inicios del siglo XIX en uno de los principales focos patriotas; sus acciones implicaron no sólo la recaudación de dinero para la causa, sino también formar parte de los tropas que enfrentaron decididamente al ejército realista. Ya entrada la República, se desarrollaron con éxito en la zona las haciendas productoras de azúcar y arroz. FOLKLORE En Lambayeque se cultivan diversas manifestaciones culturales, que van desde alegres bailes como la Marinera y el Tondero, hasta las peleas de gallos de pico y los Caballos Peruanos de Paso montados por expertos chalanes (domador, entrenador y jinete del Caballo de Paso Peruano). Además, en muchos pueblos, se practica la medicina tradicional o el curanderismo, acto en el que el curandero o shamán recurre a hierbas y ritos mágicos para aliviar los pesares de la gente.

Ronald Ramírez Olano

Para empezar a escribir de los genios de miguel y Leonardo respectivamente empecemos aclarando que fueron contemporáneos pero con diferencias de edades respectivamente El primero nació alla por el 6 de marzo de 1475 en el pequeño pueblo de Caprese, cerca de Arezzo, aunque, en esencia, fue un florentino que mantuvo a lo largo de toda su vida unos profundos lazos con Florencia, su arte y su cultura. Pasó gran parte de su madurez en Roma trabajando en encargos de los sucesivos papas; sin embargo, siempre se preocupó de dejar instrucciones oportunas para ser enterrado en Florencia, como así fue; su cuerpo descansa en la iglesia de Santa Croce. El padre de Miguel Ángel, Ludovico Buonarroti, oficial florentino al servicio de la familia Médicis, colocó a su hijo, con tan sólo 13 años de edad, en el taller del pintor Domenico Ghirlandaio. Dos años después se sintió atraído por la escultura en el jardín de San Marcos, lugar al que acudía con frecuencia para estudiar las estatuas antiguas de la colección de los Médicis. Invitado a las reuniones y tertulias que Lorenzo el Magnífico organizaba en el Palacio de los Medici con otros artistas, Miguel Ángel tuvo la oportunidad de conversar con los Médicis más jóvenes, dos de los cuales posteriormente llegaron a ser papas (León X y Clemente VII); conoció también a humanistas de la talla de Marsilio Ficino y a poetas como Angelo Poliziano, habituales visitantes del palacio. Por entonces Miguel Ángel que contaba con 16 años de edad, ya había realizado al menos dos esculturas en relieve, el Combate de los lapitas y los centauros y la Virgen de la Escalera (ambas fechadas en 1489-1492, Casa Buonarroti, Florencia), con las que demostró que ya había alcanzado su personal estilo a tan temprana edad.

Su mecenas, Lorenzo el Magnífico, murió en 1492; dos años después Miguel Ángel abandonó Florencia, en el momento en que los Médicis son expulsados por un tiempo de la ciudad por Carlos VIII. Durante una temporada se estableció en Bolonia, donde esculpió entre 1494 y 1495 tres estatuas de mármol para el Arca de Santo Domingo en la iglesia del mismo nombre. Más tarde, Miguel Ángel viajó a Roma, ciudad en la que podía estudiar y examinar las ruinas y estatuas de la antigüedad clásica que por entonces se estaban descubriendo. Poco después realizó su primera escultura a gran escala, el monumental Baco (1496-1498, Museo del Barguello, Florencia), uno de los pocos ejemplos de tema pagano en vez de cristiano realizados por el maestro, muy ensalzado en la Roma renacentista y claramente inspirado en la estatuaria antigua, en concreto en el Apolo del Belvedere. En esa misma época Miguel Ángel esculpió también la Pietà (1498-1500) para San Pedro del Vaticano, magnífica obra en mármol que aún se conserva en su emplazamiento original. La Pietà, una de las obras de arte más conocidas, Miguel Ángel la terminó casi con toda seguridad antes de cumplir los 25 años de edad, es además la única obra en la que aparece su firma. El punto culminante del estilo de juventud de Miguel Ángel viene marcado por la gigantesca (4,34 metros) escultura en mármol del David (Academia, Florencia), realizada entre 1501 y 1504, después de su reg
Con anterioridad a la bóveda de la Sixtina, en 1505, Miguel Ángel había recibido el encargo del papa Julio II de realizar su tumba, planeada desde un primer momento como la más magnífica y grandiosa de toda la cristiandad. Pensada para ser emplazada en la nueva Basílica de San Pedro, entonces en construcción, Miguel Ángel inició con gran entusiasmo este nuevo desafío que incluía la talla de más de 40 figuras, pasando varios meses en las canteras de Carrara para obtener el mármol necesario. La escasez de dinero, sin embargo, llevó al Papa a ordenar a Miguel Ángel que abandonara el proyecto en favor de la decoración del techo de la Sixtina. Cuando, años después, retomó el trabajo de la tumba, la rediseñó a una escala mucho menor. No obstante, Miguel Ángel pudo terminar algunas de sus mejores esculturas con destino a la tumba de Julio II, entre las que destaca el Moisés (c. 1515), figura central de la nueva tumba, hoy conservado en la Iglesia de San Pedro in Vinculis, Roma. Pese a que el proyecto para la tumba de Julio II había requerido una planificación arquitectónica, la actividad de Miguel Ángel como arquitecto no comenzó de hecho hasta 1519, cuando diseñó la fachada (nunca realizada) de la Iglesia de San Lorenzo en Florencia, ciudad a la que había regresado tras su estancia en Roma. Durante la década de 1520 diseñó también la Biblioteca Laurenciana (sala de lectura y vestíbulo con la escalinata de acceso), anexa a la citada iglesia, aunque los trabajos no finalizaron hasta varias décadas después. También durante esta larga etapa de residencia en Florencia Miguel Ángel emprendió -entre 1519 y 1534- el encargo de hacer las tumbas de los Médicis en la Sacristía Nueva de San Lorenzo. Ya en Roma, Miguel Ángel comenzó a trabajar en 1536 en el fresco del Juicio Final para decorar la pared situada tras el altar de la Capilla Sixtina, dando por concluidos los trabajos en 1541. En 1538-1539 se iniciaron las obras de remodelación de los edificios en torno a la Plaza del Capitolio (Campidoglio), sobre la colina del mismo nombre, corazón político y social de la ciudad de Roma. Concibió el Capitolio como un espacio ovalado, y en su centro colocó la antigua estatua ecuestre en bronce del emperador Marco Aurelio. En torno a ella dispuso el Palacio de los Conservadores y el Museo Capitolino, así como también el Palacio del Senado, dando al conjunto una nueva uniformidad constructiva acorde con la monumentalidad propia de la antigua Roma. La obra cumbre de Miguel Ángel como arquitecto fue la Basílica de San Pedro, su cúpula se convirtió en modelo y paradigma para todo el mundo occidenta

Por otro lado Leonardo da vinci nació en Italia Leonardo nace en la ciudad de Vinci, cerca de Florencia, el 15 de abril de 1452. hijo natural (ilegítimo) de Ser Piero di Antonio, notario de Florencia, y Caterina, quien casó más tarde con Accatabringa di Piero di Vacca, vecino de Anciano. Educado en casa de su abuelo paterno hasta que en 1469 viaja con su padre a Florencia quedando confiado a Verrocchio (1453-1488), quien se encarga de su formación pictórica. En su taller coincide con Perugino, Ghirlandajo y, probablemente, con Botticelli. De él tomó modelo Verrochio para su David del Museo Bargello.

En 1472, Leonardo aparece inscrito en el registro de la Compagina di San Luca como pintor florentino. En 1476 sufre acusación de sodomía de la que fue absuelto. En esta etapa de su formación, Leonardo, estudia la anatomía humana participando en la disección de cadáveres. De esta época destacan las siguientes obras pictóricas: Bautismo de Cristo (1472, Museo de los Uffizi, Florencia) obra de Verrochio en la que colabora Leonardo; La anunciación (1472-75, Uffizi); Retrato de Ginebra Vencí (1474-76, National Gallery Washington); Virgen Venios (1475-78, Ermitage, San Petesburgo); La adoración de los Magos (1481-83, Museo de los Uffizi) por encargo del convento de San Donato Scopeto, obra inacabada; La anunciación (1478, Museo del Louvre, París); La Virgen del Clavel (1478-80, Pinacoteca de Munich); San Jerónimo (1480, Pinacoteca Vaticana).

En 1482 se traslada a Milán, donde se ofrece a Ludovico Moro como arquitecto, ingeniero militar, pintor y escultor, siendo empleado como organizador de fiestas, creando complicados mecanismos que se utilizarán en fiestas, espectáculos y torneos. Ludovico le encarga una estatua ecuestre de su padre, Francesco Sforza, en grandes proporciones para situarla en la plaza del Duomo de Milán. Leonardo trabajó en ella durante dieciséis años y, aunque nunca fue fundida, dejó realizado un modelo de caballo de ocho metros que fue destruido en 1499.

Participa en discusiones sobre la construcción de las catedrales de Milán y Pavía. Durante sus diecisiete años de permanencia en Milán realiza las siguientes obras pictóricas: La Virgen de las rocas (1483-93, Museo del Louvre); Retrato de un músico (1485-90, Pinacoteca Ambrosiana, Milán); La belle ferronniére (1490-95, Louvre); Dama con armiño (1485-90, Museo Czartoryski, Cracovia); Santa Ana, la Virgen, el Niño y San Juan Bautista (1498-99, National Gallery, Londres); La Santa Cena (1495-98, refectorio de Santa María delle Gracie, Milán).

En 1499 cae el ducado de Milán tras el enfrentamiento con Luis XII de Francia. Leonardo se traslada a Vaprio, Mantua, donde realiza el retrato de Isabel de Este (1500, Museo del Louvre) y Venecia, bajo el servicio de César Borgia para quien realiza trabajos de ingeniería militar.

De vuelta a Florencia y siendo muy conocido en Italia, realiza su obra más notable y conocida, retrato de Mona Lisa o Gioconda (1503-06, Louvre). Este retrato representa a Lisa Gherardini, casada con Bartolomeo del Giocondo, mujer nacida en 1479. la obra fue adquirida por Francisco I por 12.000 francos.

Otra obra de esta etapa es La Batalla de Anghiari (1503-05), pintura mural para la sala del Gran Consejo del Palacio Viejo de Florencia. Obra inacabada.

Se le encargan trabajos de ingeniería que fracasaron como, por ejemplo, los planos para desviar el curso del Arno.

En 1503 vuelve a Milán donde realiza un monumento ecuestre para la tumba de Trivulcio (1511-12). En esta ciudad crea escuela siendo sus seguidores más notables Ambrogio de Predis, Luini y Solario y los españoles Hernán Yañez de la Almedina y Hernando Llanos que fueron los primeros que propagaron el leonardismo fuera de Italia.

De esta segunda estancia en Milán destacan las siguientes obras: la Virgen de las rocas (1507-08, National Gallery) y Santa Ana con la Virgen y el Niño (1510, Louvre).

En 1513 Leonardo viaja a Roma atraído por el mecenazgo del Papa León X de Medicis, aunque reside en Belvedere protegido por el cardenal Giuliano de Medicis, apartándose de la corte pontificia dominada por Rafael y sus seguidores. De esta etapa destacan San Juan Bautista (1510-13, Louvre) y Baco (1511-15, Louvre).

En 1515 se traslada a Francia invitado por el rey Francisco I dedicándose a estudios arquitectónicos para los castillos reales, atribuyéndosele la escalera interior de doble vuelta del castillo de Chambord. Leonardo reside en el castillo de Cloux cerca de Amboise donde muere el 12 de mayo de 1519.

Su obra permaneció olvidada, con excepción del Tratado de pintura, iniciado en Florencia en 1508 y editado en 1651, hasta la publicación de sus manuscritos.

En Leonardo se funden la actividad artística y científica, si esta última fue minusvalorada por sus contemporáneos, en la primera fue valorado como un maestro que supo plasmar la belleza como ideal renacentista. Su técnica más notable es el sfumato consistente en difuminar los contornos basándose en su teoría científica sobre"el espesor transparente del aire". Leonardo intuye que la atmósfera no es transparente, sino que tiene color y formas propias, que cambian por efecto de la luz. Estas propiedades varían el volumen y el color de los objetos.

Leonardo en su constante investigar realiza innovaciones técnicas en el campo de la pintura que hacen que alguna de sus obras corra el peligro de perderse al poco tiempo de su realización, así en la Santa Cena tiene lugar un rápido deterioro debido al uso del óleo aplicado sobre muro. Antonio de Beatis, en 1517, deja constatación del comienzo del deterioro de la obra (diecinueve años después de su realización). En 1556 Vasari se refiere a ella como "una masa de manchas". En 1587 Armenini dice que se encuentra"medio estropeada pero bellísima".

Otra faceta fundamental de Leonardo es la de dibujante. En sus dibujos relaciona el arte con distintas ciencias como medicina e ingeniería al emplearlos como complemento de sus apuntes. Ello nos indica el carácter humanista del autor. Un ejemplo de ello es su Studio (Real Academia de Venecia) sobre el que se puede encontrar más información en El hombre de Vitrubio.

Los enfrentamientos

En 1503 la Republica de Florencia a través de la Signoria (una suerte de primer ministro del consejo de gobierno) le encarga a Leonardo Da Vinci que pinte un enorme mural en una pared de la gran sala llamada Maggiore Consiglio - Gran Consejo - en la primera planta del Palazzo Vecchio. Leonardo por entonces tenia 51 años y era una celebridad que hoy llamaríamos mediática, pues era conocido en toda Europa como artista, ingeniero, músico y un sin fin de habilidades intelectuales y artísticas que seria tedioso enumerar, tan enorme era su sabiduría. Fue una decisión arriesgada, pero, pues el artista acababa pocas obras en las que se veía involucrado, aunque era un encargo oficial y de envergadura, por lo que el toscano acepto encantado. Cuando no llevaba ni un año trabajando a medio ritmo, como era lo normal en él, la ciudad encarga nada menos que a Miguel Ángel Buonarroti que pinte un fresco en la misma sala pero en la pared opuesta. Fue una jugada maestra, pues reunía en un mismo lugar a los dos artistas mas conocidos de la época y los enfrentaba artísticamente, pensando, equivocadamente, que estimularía a los genios en una carrera para pintar el mejor fresco. Leonardo y Miguel Ángel no se llevaban bien, el primero estuvo en el consejo para determinar la posición del David, una de las obras maestras de Buonarroti, en Florencia y, en su opinión lo que se tenia que hacer era ‘…ponerla detrás de un murete frente al Palazzo Vecchio, para que no moleste en las procesiones y actos públicos’. Su recomendación, finalmente, no fue escuchada y pusieron la estatua en medio de la plaza de la Signoria, donde actualmente aun esta una copia a tamaño natural. A Miguel Ángel ciertamente no le gusto nada la actitud de Leonardo para con él. Por otra parte es lógico que se molestase pues, algo hay de verdad en la envidia (seguramente sana) que sentía da Vinci por el joven escultor, poeta, arquitecto y pintor de veintinueve años. El problema es que Buonarroti tenia muy mal genio y tuvieron por lo menos dos broncas formidables. En una de ellas, unos hombres charlaban con Leonardo en la calle y le preguntaron si podía aclararles un asunto literario, en concreto, sobre unos versos de Dante. El maestro, viendo que en esos momentos pasaba Miguel Ángel por allí, les dijo que se lo preguntasen a él, nada mas oír lo que decía da Vinci, se giro en redondo y le soltó ‘ acláraselo tu, que diseñaste un caballo para fundirlo en bronce y, al no poder hacerlo, tuviste que abandonarlo, cubriéndote de vergüenza’, sin venir mucho a cuento, la verdad, marchándose inmediatamente después, lo que dejo a Leonardo con la palabra en la boca y rojo de ira. Hacia unos años Leonardo habia proyectado una enorme estatua ecuestre del Duque Ludovico Sforza, llamado El Moro, gobernante de Milán, que no paso de la etapa de modelaje en arcilla; por culpa de la guerra que iban a entablar en breve con los franceses (que perdieron), todo el metal preparado para la escultura fue utilizado mas tarde para fundir cañones y proyectiles. Esta estatua hubiese sido difícil de llevarla a cabo por querer Leonardo fundirla de una pieza, una monumental tarea, muy compleja técnicamente y a eso se refería Miguel Ángel cuando le espeto, criticando la forma de trabajar de su colega y atacando donde mas le dolía al de da Vinci.

Batalla de Cascina

Miguel Ángel después de pintar el cartón, un boceto a tamaño natural del fresco, a los cuatro meses de recibir el encargo, marcha hacia Roma para trabajar para el Papa Julio II, un miembro de la familia Médicis, dejando el encargo sin terminar. Los que vieron el cartón dijeron que era magnifico, representa la Batalla de Cascina a través de unos soldados que, al ser sorprendidos mientras se bañan en un río, por un ataque enemigo se apresuran a salir del agua y vestirse. El autor nos ofrece una visión secuencial de la acción con soldados en el agua, saliendo de ella, vistiéndose y finalmente marchando hacia el campo de batalla, según una copia de la época.

En estos cartones los artistas experimentaban la composición de la obra y acostumbraban a ser muy detallados, de da Vinci se conservan algunos que son contemplados como obras de arte al mismo nivel que las obras acabadas. Si estaban pintados a escala servían, una vez cuadriculados, para traspasarlos a la pared conservando las proporciones, pero si eran a tamaño natural el procedimiento era mas complejo e interesante. Primero se agujereaba el cartón con finos alfileres, miles de agujeros, siguiendo los trazos, después se coloca en su lugar y se espolvorea con carboncillo en polvo para fotocopiar el boceto sobre la pared, al retirar el cartón debía aparecer debajo el dibujo preparatorio.

                                                           LA   VELOCIDAD  DE LA   LUZ

La velocidad de la luz no ha sido siempre constante, ya que hace 2.000 millones de años era algo inferior en la Tierra, según nuevos datos obtenidos del reactor nuclear de Oklo, en Gabón, que ya en tiempos prehistóricos generaba calor mediante reacciones nucleares similares a las que hoy emplean las centrales atómicas. El descubrimiento necesita ser ratificado con más mediciones, pero refuerza la necesidad de un nuevo marco teórico para explicar el Universo. 

  La velocidad de la luz

una de las más importantes constantes conocidas del Universo, pudo ser algo inferior hace dos mil millones de años, según se desprende de una antigua fuente de información, el reactor natural de Oklo, que hasta ahora avalaba la constancia de la velocidad de la luz.

La sorpresa ha surgido cuando investigadores de la Universidad de California trataban de medir con más precisión la constante de estructura fina, también conocida como alpha.

Esta constante fina o alpha es la que relaciona la velocidad del electrón en el estado más bajo de energía del átomo de hidrógeno, con la velocidad de la luz. La estructura fina es una de las constantes fundamentales del Universo, junto a la que describe la relación de masa del electrón con la del protón y junto a la que relaciona la fuerza gravitacional con la eléctrica.

Sobre estas constantes fundamentales se han elaborado tanto la relatividad restringida como la relatividad general y la teoría cuántica, que son las que describen el conjunto de partículas y campos conocidos. Por ello, cualquier variación en una de estas constantes tendría gran trascendencia para la física actual.

El parámetro alpha

Al revisar los datos ofrecidos por el reactor Oklo con un espectro de información que los autores denominan "más realista", las cifras obtenidas para esa constante de estructura fina sugieren que el parámetro alpha ha disminuido respecto a hace 2.000 millones de años.

La idea de que la velocidad de la luz es constante proviene de la medida del parámetro alpha, cuya variación, para muchos físicos, significa un cambio de la velocidad de luz.

Hasta ahora, los físicos que se oponen a aceptar cualquier variación en la velocidad de la luz se basan, entre otras fuentes, en la información facilitada por el reactor nuclear natural que fue encontrado en 1972 en Oklo, Gabón, África Occidental.

Este yacimiento de uranio, que abarca una superficie de aproximadamente 35.000 km2, se puso en funcionamiento hace casi 2.000 millones de años, cuando diversas reacciones nucleares se originaron espontáneamente en esa región africana, generando calor de la misma forma que lo hacen las actuales centrales nucleares.

Ligera variación

Los análisis realizados hasta ahora sobre los isótopos radiactivos de Oklo habían determinado que las reacciones nucleares de hace 2.000 millones de años eran iguales a las de hoy, lo que significaba que la constante alpha también era la misma y, por ende, que la velocidad de la luz era también constante.

Sin embargo, el nuevo estudio sobre los datos de Oklo ofrece datos más precisos que los disponibles anteriormente, señalando que la constante alpha ha disminuido en más de 4,5 partes en 10 elevado a 8 desde que surgió el reactor natural, lo que en principio supone que la velocidad de la luz ha variado también ligeramente respecto al valor de hace 2.000 millones de años.

Los resultados de esta investigación se publican en Physical Review D, donde el abstract está disponible en Internet, si bien una versión libre de este artículo está publicada en Arxiv. La revista Newscientist también ha dedicado un artículo a este descubrimiento.

La comunidad científica ha reaccionado de diversa forma ante el descubrimiento, que aún necesita ser confirmado por otros experimentos antes de que pueda afirmarse categóricamente que la velocidad de la luz es variable.

Física revisada

Las supuesta variación de la velocidad de la luz contradice la teoría de la Relatividad de Einstein, además de cuestionar otras muchas teorías de la física tradicional.

La eventualidad de una variación temporal de las constantes fundamentales ha sido contemplada desde los años cuarenta del siglo pasado por algunos físicos, que han insistido en realizar medidas precisas de algunos fenómenos relacionados con las constantes fundamentales para comprobar si alguna de ellas ha podido variar con el tiempo.

Esta hipótesis, planteada por Dirac, Jordan y otros, es la que ha llevado a los físicos a profundizar en los valores atribuidos a las constantes fundamentales y a sugerir que la velocidad de la luz ha podido ser diferente en otros momentos de la historia de la Tierra.

Algunos físicos creen al respecto que la eventual variación de la velocidad de la luz sería la explicación de algunos fenómenos cosmológicos desconcertantes, como la temperatura casi uniforme del Universo, al mismo tiempo que reforzaría las teorías sobre las dimensiones espaciales adicionales.

Nuevo marco teórico

Los físicos siempre se han preguntado por qué las constantes fundamentales tienen los valores que se les atribuyen y si es posible que exista un mecanismo dinámico vinculado a la expansión del Universo que determine el valor, invariable o aleatorio, de estas constantes.

Sin embargo, estas cuestiones no han encontrado respuesta en el cuadro de la física actual, donde las así llamadas constantes fundamentales han sido introducidas como parámetros arbitrarios.

Es posible que estas cuestiones tengan respuesta en un marco teórico más completo que el actual, como ha sugerido Théodore Kaluza con su generalización de la teoría de Einstein, la cual comprendería un espacio-tiempo de cinco dimensiones en el que las constantes fundamentales no tendrían parámetros invariables.

La teoría de las cuerdas sugiere a su vez que todas las constantes son dadas por campos variables en el espacio y el tiempo asociados al campo gravitacional, por lo que el valor de todas las constantes puede predecirse.

El nuevo análisis de los datos de Oklo y sus conclusiones prometen por ello profundizar en un debate crucial para la comprensión del mundo físico, ya que este descubrimiento refuerza los modelos cosmológicos alternativos como el sugerido por la teoría de las cuerdas, abundando en la necesidad de un nuevo marco teórico para explicar el Universo.